Interpretação: Antoine Chappey, Catherine Deneuve, John Malkovich, Leonor Baldaque, Leonor Silveira, Michel Piccoli

PORTUGAL/FRANÇA, 2001, 190’, M/12

Uma reflexão sobre o envelhecimento e a iminência da morte, conta a história de um actor de teatro consagrado que vê a tragédia irromper subitamente na sua vida.

Gilbert Valence (Piccoli) pode dar-se ao luxo de recusar papéis menores: é um grande senhor do teatro. Mas um dia, no final de uma representação, o horror bate-lhe à porta, quando o informam que a mulher, a filha e o genro morreram num acidente de viação. A partir daí, Valence partilha todo o seu tempo com o neto, numa transferência de afectos e cumplicidades para exorcisar a dor. E quando a vida parece regressar à normalidade e um realizador americano (John Malkovich) lhe propõe representar Ulisses, numa adaptação de Joyce, Valence não pensa duas vezes. Mas aí, a tragédia volta a apoderar-se da vida do actor.

Oliveira continua a surpreender: depois de digressões por outras vias, regressa a “casa”, a uma simplicidade quase artesanal, interrogando a razão de ser da representação teatral, da capacidade do cinema para fixar imagens e sons. Sem qualquer aparato retórico, “Vou Para Casa” centra-se no fabuloso Michel Piccoli para contar uma história com várias dimensões de leitura: para todos, uma história tocante de um avô e de um neto; para quem quiser ler um complexo retrato da serenidade indispensável para envelhecer e ver a morte como essência para representar a vida. Hilariante e comovente, mas nunca lacrimejante, o filme rima com “Viagem ao Princípio do Mundo”, mas também com “O Acto da Primavera” ou com “Francisca”, colocando as grandes questões da obra oliveiriana: Que mundo? Que imagem? Que representação? (Mário Jorge Torres, in Ipsilon)

Tendo como personagem principal um velho actor de teatro (Michel Piccoli) que começa a dizer “não” (aos compromissos; ao mundo que já não entende), “Vou para Casa” desenha um movimento de fuga, que é também de reencontro, em direcção à infância. Isso é, uma forma de reencontrar a clareza, uma limpidez possível no meio da catástrofe. É assim o filme de Oliveira: uma ligeireza grave, um olhar espantado (e aterrorizado) para uma Paris onde a monumentalidade convive com o espectáculo de feira, e por isso o refúgio nos cafés de bilhete postal, à procura do burlesco do “silent movie”. Sem grandiloquências, o cinema de Oliveira é tão musical, tão livre… E pode testemunhar-se o encantamento mútuo entre um realizador e o seu intérprete, Oliveira e Piccoli.(Vasco Câmara, in Ipsilon)

Fonte: Cinecartaz Público

Nota: chamamos a atenção para o facto de o filme ser falado em francês, e legendado em inglês.

Interpretação: Rita Blanco, Anabela Moreira, Cleia Almeida, Rafael Morais

PORTUGAL, 2011, 140’, M/16

Márcia (Rita Blanco) é mãe de Cláudia (Cleia Almeida) e Joca (Rafael Morais) e irmã de Ivete (Anabela Moreira). Mãe solteira, vive numa casa no Bairro Padre Cruz, em Lisboa, com Ivete que a ajudou a criar os filhos e os ama como se fossem seus. O que ninguém esperava é que duas tragédias chegassem para marcar aquela família: Cláudia apaixona-se por um dos seus professores da faculdade, casado, e Joca, um pequeno traficante cadastrado, contrai uma dívida com um homem perigoso. Márcia e Ivete preparam-se para o pior, mas o seu amor incondicional é capaz de tudo..

Realizado por João Canijo, de quem já apresentámos “Fantasia Lusitana”, o filme foi distinguido em Setembro, no Festival de San Sebastian, com Menção Honrosa e o Prémio de Melhor Filme da Crítica Internacional. Em Dezembro, ganhou o Prémio de Melhor Filme no Festival de Pau

Foi o filme português com maior receita bruta em 2011.

Fonte: Cinecartaz Público

Para o dizer simplesmente, é o melhor filme de João Canijo. Resultado de uma maneira de construir personagens e narrativas que é aqui levada a um grau máximo, mas resultado também de outro factor que nunca se vira assim num filme de Canijo, e que esse, sim, é uma relativa novidade: o trabalho de câmara. Em vez dos ziguezagues de uma câmara que quase se limitava a ser testemunha da encenação (em “Noite Escura”, em “Mal Nascida”), ei-la aqui, rigorosa e pesada, a ser o elemento central na organização das cenas, a desenhar, abrindo-os ou fechando-os, o espaço e o tempo em que se movimentam as personagens. O trabalho dos actores é extraordinário, de facto, mas numa curta nota como esta em vez de repetir esse elogio preferimos falar ainda de outro elemento discretamente essencial. O som, o som “do bairro”, mas sobretudo o som dos televisores, ligados em todo o lado e durante todo o tempo, dando à televisão portuguesa, e visto que Canijo gosta muito dos gregos, o papel de um “coro”, mas um coro inútil e patético, que nada tem a dizer sobre a tragédia portuguesa que não sejam novelas e futebol (e reparar na ironia com que Canijo usa o “clube de Portugal”: a primeira cena tem o som do primeiro jogo da selecção no Mundial 2010, e durante a humilhação final de Ivete acontece o golo da Espanha que acabou com o que eram, em linguagem televisiva, as “esperanças portuguesas”). (Luis Miguel Oliveira, in Ipsilon)

O filme será apresentado com legendas em inglês, pois teremos a assistir um grupo de estudantes do programa Erasmus que vão estar em Tomar durante as próximas semanas.

Interpretação: Filippo Timi, Giovanna Mezzogiorno, Michela Cescon, Fausto Russo Alesi

FRA/ITA, 2009, 121’, M/12

Ida Dalser (Giovanna Mezzogiorno) foi o primeiro amor e, supostamente, a primeira mulher de Benito Mussolini (Filippo Timi). Eram os tempos de formação de Benito, nos anos que antecederam a Primeira Grande Guerra, quando o futuro ditador tentava ainda a emancipação das massas através dos ideais socialistas, muito antes de se converter ao fascismo.

Depois de uma relação impetuosa entre os dois, da qual terá resultado um casamento e um filho, Benito nega qualquer relação com aquela mulher, e manda interná-los num asilo por demência, sendo destruídos todos os registos médicos, assim como os supostos arquivos de casamento. Desta forma, mãe e filho são renegados e apagados da História.

Encenado e musicado como se de uma ópera se tratasse, e utilizando algumas imagens de arquivo, Marco Bellocchio realiza um drama em que apresenta uma Itália isolada e destituída de identidade, tal como Ida, a personagem principal.

Fonte: Cinecartaz Público

Ao mesmo tempo glorioso melodrama clássico e épico de câmara, cinema emocional e popular e ensaio fílmico meta-textual,”Vencer” é uma ópera austera e arrebatada povoada por fantasmas

Parece uma daquelas histórias que fazem chorar as pedrinhas da calçada: a mulher que se apaixona perdidamente, que dá tudo ao homem que ama para nada receber em troca, para dar por si afastada para sempre da sua vista, negada, renegada, deserdada. Só que esta história de fazer chorar as pedrinhas da calçada é verdadeira: Ida Dalser existiu mesmo, abdicou de tudo em nome do homem que amava, deu-lhe tudo e dele nada recebeu a não ser um bilhete só de ida para o asilo psiquiátrico onde, anos mais tarde, o filho do casal também foi parar.

Aconteceu na Itália da primeira metade do século XX. Ida Dalser batalhou até ao fim para que acreditassem nela. O homem a quem ela se entregou chamava-se Benito Mussolini. Quando ela o conheceu não passava de um sindicalista carismático e inflamado, quando ela morreu era o chefe de estado italiano, um dos líderes totalitaristas da Europa dos anos 1940, um homem que passou o seu governo a negar que Ida Dalser alguma vez tivesse sido sua esposa.
Não é, evidentemente, de Ida Dalser apenas que Marco Bellocchio está a falar; é da Itália toda, a Itália que se deixou embarcar na “canção do bandido” que Mussolini lhes cantou, a Itália que tudo lhe deu para dar por si sem nada, prisioneira de um regime bizantino, quase Orwelliano (embora Orwell só tenha publicado “1984″ em 1949…), onde bastava um estalar de dedos para a verdade ser apagada para sempre. Bellocchio desenha Mussolini como um pequeno crápula ambicioso, insensível, venal, concentrado em atingir o seu objectivo por quaisquer meios. Ao seu lado, Ida é uma figura trágica, uma mulher arrebatada por uma paixão ardente que transcende as leis da razão, e que a leva a insistir até ao fim, contra ventos e marés, contra a “história oficial”.

Giovanna Mezzogiorno, fogosa, violenta, avassaladora, recorda Anna Magnani, Vivian Leigh, Bette Davis, remete “Vencer” directamente para os grandes melodramas femininos da era de ouro de Hollywood e da Cinecittà, ancorando Bellocchio num género preciso, clássico. É tudo aquilo de que o veterano cineasta italiano necessita para propulsionar o filme noutras direcções. Invoca fantasmas que continuam, ainda hoje, a assombrar a história italiana, sublinhando o lado operático desta panorâmica transversal sobre um período negro dessa história. Coloca por todo o lado intimações do cinema como arte fulcral deste período, num misto de homenagem e registo (não nos referimos apenas à constante presença de jornais de actualidades, que, num toque de génio, passam a ser a única representação de Mussolini no filme uma vez ele chegado ao poder, mas, por exemplo, à citação do “Miúdo” de Chaplin no hospital de Veneza), evocando um aroma viscontiano de decadência, citando os modernismos futuristas nos múltiplos intertítulos godardianos que vão pontuando a história.

Ao mesmo tempo glorioso melodrama clássico e épico de câmara, cinema emocional e popular, e ensaio fílmico meta-textual, “Vencer” é uma ópera austera e arrebatada, histórica e política, social e pessoal, trágica e gloriosa. (Jorge Mourinha, in Ipsilon)

Interpretação: Yoav Donat, Itay Tiran, Oshri Cohen

ISRAEL, 2009, 93’, M/16

Junho de 1982. Primeira Guerra do Líbano, conhecida também por “Operação Paz na Galileia”. Um tanque de guerra é enviado para uma cidade hostil numa missão aparentemente simples, que acaba por ficar fora de controlo. Shmulik (Yoav Donat), Assi (Itay Tiran), Hertzel (Oshri Cohen) e Yigal (Michael Moshonov) são quatro jovens soldados, a poucas semanas do fim do destacamento, que assistem às atrocidades da guerra através da mira de um tanque blindado, sem nada poderem fazer senão obedecer cegamente a ordens. E, a meio de uma situação dramática em que são abandonados ao seu destino, acabam por ter como guia apenas o próprio instinto de sobrevivência, esforçando-se por salvaguardar a sua humanidade e sanidade mental.

Primeira longa-metragem do israelita Samuel Maoz, tem como base as experiências traumáticas do próprio realizador, quando, aos 20 anos, foi soldado na Guerra do Líbano.

Leão de Ouro na 66.ª edição do festival de Veneza, onde teve estreia mundial, foi nomeado para dez prémios Ophir da Academia de Cinema de Israel.

Fonte: Cinecartaz Público e IMDB

O filme de Maoz não é tanto sobre o Líbano (ou sobre o estado constantemente “em guerra” de Israel) como é sobre a guerra, “tout court”, e sobre o modo como o homem a vive (ou aprende a vivê-la). Para isso, o cineasta arrisca um “tour de force” na corda bamba, tanto mais arriscado quanto estamos a falar de um primeiro filme: fazer o espectador sentir a guerra na primeira pessoa, restringi-lo ao espaço confinado de um tanque, fechá-lo durante hora e meia com os quatro homens da tripulação e com o modo como cada um deles enfrenta a sua primeira experiência de combate e descobre algo sobre si próprio no processo. E ganha a aposta em toda a linha. Muito se tem falado sobre o “voyeurismo” ou o “mau gosto” de algumas cenas vistas através do “periscópio” do tanque, mais violentas ou desconfortáveis, com a mira telescópica a deixar no campo tanto quanto fica de fora. Mas o que Maoz está a fazer é apenas reduzir a experiência da guerra, mesmo que mediada por um dispositivo tão cinemático como este (o periscópio é, literalmente, a lente da câmara, o olho que vê sem conseguir parar de ver), à sua essência urgente, à necessidade de decidir agora, já, imediatamente, sucumbindo ou resistindo ao instinto primal de sobrevivência, tornando tangível o conflito entre a moral e o instinto. Como quem diz: é demasiado fácil olhar para as coisas de fora, portanto venham vê-las de dentro. Fechados num esquife de metal onde só se mata, ou se morre.

Sem heroísmos hollywoodianos nem finais felizes de filme de guerra, “Líbano” dá corpo aos suores frios, ao cheiro a pólvora e metal e sangue de um modo que raros filmes conseguiram fazer.

Merecidíssimo Leão de Ouro em Veneza 2009, é uma experiência cinemática de cortar o fôlego que pode e deve ser lida como complemento ao excelente e Oscarizado “Estado de Guerra” (2008) de Kathryn Bigelow. (Jorge Mourinha, in Ipsilon).

Interpretação: Jennifer Lawrence, John Hawkes, Kevin Breznahan, Dale Dickey, Garret Dillahunt

EUA – 2010, 100’, M/12

A viver nas montanhas Ozark, no estado norte-americano do Missouri, com um pai traficante de drogas e uma mãe incapacitada devido a uma depressão profunda, Ree Dolly (Jennifer Lawrence), de 17 anos, é a alma da família e o único apoio de Sonny (Isaiah Stone) e Ashlee (Ashlee Thompson), os seus irmãos mais novos.

O xerife local informa-a que o seu pai tem de se apresentar ao tribunal dentro de 1 semana. Mas este desapareceu sem deixar rasto, depois de dar a casa como fiança. Para não perder a casa onde vivem, Ree terá de encontrar o pai, nem que para isso tenha de percorrer todos os recantos das montanhas. Dessa busca incessante pelos lugares prováveis e improváveis, todos a tentam dissuadir, mas a rapariga tem um único objectivo em mente: proteger a sua família, custe o que custar, nem que para isso tenha de enfrentar o código de silêncio dos clãs da zona, para os quais as únicas saídas para sobreviver no meio da pobreza são o serviço militar ou o crime.

Granik conjuga um olhar atento, e nada condescendente, sobre uma comunidade que parece saída do fundo dos tempos, com uma estrutura discreta e fluida de “thriller”, mas “Despojos de Inverno” é ainda filme um bocadinho “tolhido”, ao qual falta um pouco mais de confiança para “descolar” de algum  formalismo e, sobretudo, de uma certa indecisão no rumo a dar à história. Contudo, isso não nos deve distrair do facto de “Despojos de Inverno” ser um bom filme, sério, inteligente e atento

Adaptado do romance homónimo do escritor americano Daniel Woodrell, o filme tem a realização de Debra Granik (“Down to the Bone”) e ganhou o Grande Prémio do Júri do Festival de Sundance 2010

Foi nomeado em 2011 para os Óscares de Melhor Filme, Melhor Actriz Principal, Melhor Actor Secundário, e Melhor Argumento Adaptado.

Fontes: Cinecartaz Público/IMDB

Interpretação: Julianne Moore, Dennis Haysbert, Dennis Quaid, Viola Davis, Patricia Clarkson

EUA, 2002, 107’, M/12

No Outono de 1957, os Whitakers representam o quadro perfeito de uma família feliz, no paraíso americano. A sua existência diária é marcada pelas regras de etiqueta, os eventos sociais e os cocktails de fim de tarde. Cathy Whitaker (Julianne Moore, que volta a trabalhar com Todd Haynes depois de “Safe”) é a dona de casa perfeita, esposa e mãe, com uma criada e um jardineiro negros. Frank (Dennis Quaid) é o chefe de família, que todos os meses traz o dinheiro para casa. Têm dois filhos, um rapaz e uma rapariga, ambos na pré-adolescência.
Mas esse mundo estilhaça-se e afasta-se do paraíso quando Cathy descobre que o marido é homosexual; cria laços de amizade com a criada e o jardineiro, que vão desencadear mexericos cruéis na comunidade envolvente e alterar as suas vidas para sempre.
“Longe do Paraíso” é o regresso de Todd Haynes, depois de “Safe” e “Velvet Goldmine” e é uma revisitação dos filmes dos anos 50 com cores berrantes, carros que reluzem ao sol, e o vento que varre as folhas mortas e coloridas de Outono; uma evocação dos melodramas de John Stahl, Max Ophuls e, sobretudo, Douglas Sirk (lembrando-nos os belíssimos clássicos “Imitation of Life” e “All That Heaven Allows”).
O filme esteve em competição oficial em Veneza 2002, onde Ed Lachman (o director de fotografia) recebeu o Prémio para uma Contribuição Individual e Julianne Moore foi distinguida com a Taça Volpi para Melhor Interpretação Feminina e o Prémio do Público para Melhor Actriz.

Teve 4 nomeações para os Óscares de 2003: Melhor Actriz Principal (Julianne Moore), Melhor Argumento Original (Todd Haynes), Melhor Fotografia (Edward Lachman) e Melhor Música Original (Elmer Bernstein).

Fonte: Cinecartaz Público e IMDB

Interpretação: Michelle Williams, Bruce Greenwood, Will Patton, Zoe Kazan, Paul Dano

EUA, 2010, 102’, M/12

1845. Três famílias de pioneiros contratam Stephen Meek, um guia com experiência no terreno, para os auxiliar a transpor a Cordilheira das Cascatas, no deserto de Oregon, EUA. Confiantes e esperançosos, seguem-no por um atalho sem imaginar que ele se vai perder no deserto e levá-los ao pesadelo. Sem água nem mantimentos, o grupo vai ter de encontrar forças e estratégias básicas que lhes permitam sobreviver àquele lugar inóspito. Quando se cruzam com um indígena, vacilam entre confiar num guia que se tem revelado pouco digno ou em alguém que, apesar de mais apto naquele território árido, acreditam ser um adversário natural.

Um “western” com realização de Kelly Reichardt (“Old Joy”, “Wendy and Lucy”) e argumento de Jonathan Raymond, baseado em diários dos pioneiros encontrados no estado do Oregon. É também uma reflexão sobre as origens dos Estados Unidos

A americana Kelly Reichardt assina um dos grandes filmes (americanos e não só) dos últimos tempos – e não, isto não é um western

Convirá começar pelo aviso da praxe: por muito que “O Atalho” se inspire num “fait-divers” verídico da conquista do Oeste e traga todos os “sinais exteriores” de um western, que não se vá ver o novo filme da realizadora Kelly Reichardt (“Wendy e Lucy”) como um western. Nem sequer como um western revisionista, porque o trabalho de Reichardt e do seu argumentista e habitual colaborador Jon Raymond reside mais dentro das convenções do “road movie”. E lembramo-nos daquele célebre slogan com que o “Easy Rider” de Dennis Hopper e Peter Fonda foi lançado: “um homem foi em busca da América e não a encontrou em lado nenhum”.

“O Atalho” é, de certo modo, isso: a história de uma busca da América num local onde ela ainda não existe. Estamos em 1865 e três casais religiosos e o seu guia fanfarrão separam-se da caravana principal em direcção ao estado do Oregon, mas dão por si perdidos e com a água a escassear. Reichardt pode filmar estas paisagens áridas e desoladas como Ford filmou o Monument Valley (no velho formato “quadrado” conhecido como “Academy ratio”, em 1:1.33), mas tudo pára aí.

A identificação com o western desaparece aos poucos para dar lugar a um drama de câmara, um pequeno grupo entregue a si mesmo, uma história de sobrevivência. Tudo é contado numa espécie de animação suspensa: faz sentido, estamos no meio do nada, do desconhecido, num sítio que já não é a civilização e ainda não é a terra prometida. É um limbo, um purgatório onde a palavra-chave é “comunidade” mas onde a pequena comunidade, dividida entre homens e mulheres de acordo com os mandamentos bíblicos, se começa a fracturar.

Kelly Reichardt sempre olhou para a comunidade como foco ou núcleo da América, antiga ou moderna, e em “O Atalho” ela não hesita em confrontar-se com a dimensão mítica dessa América e dessa comunidade. Fá-lo de um modo simultaneamente celebratório e desarmante: a fé quase cega dos pioneiros que se atiraram ao desconhecido, o medo e a incompreensão que surgem quando o desconhecido ameaça subjugá-los. Se a Wendy de “Wendy e Lucy”, por exemplo, era “o outro” perdido “fora da passadeira” de uma América fechada sobre si mesma, “O Atalho” regressa aos primórdios dessa comunidade e do modo como ela se define precisamente em função do “outro” – um guia que está longe de justificar a confiança, um índio que eles não compreendem – e do modo como a sobrevivência implica escolhas morais que não são minimamente lineares nem respondem a quaisquer escrituras ou preceitos.

Filmando de modo difuso, atmosférico, evocativo, com um olhar ao mesmo tempo alienígena e fascinado, Reichardt constrói o seu filme por texturas em vez de estruturas narrativas. Isso vai assustar todos aqueles para quem a “lentidão” ou a ausência de acção são uma falha, todos aqueles que não compreendem como a utilização judiciosa do silêncio e do espaço é o que dá força e energia a este cinema certamente exigente mas resolutamente atento. E quando damos por nós estamos no meio de uma meditação oblíqua sobre a comunidade, sobre o medo, a incompreensão, o outro, feita à medida dos nossos dias, confirmando como Reichardt e Raymond pensam na América (e pensam a América) para lá dos sonhos e das imagens, num trabalho de desconstrução e desmontagem que remonta à fonte desse país que o cinema ajudou a construir. Encontram-na? Cabe a cada espectador decidi-lo. Na certeza de que são raros os filmes que se entregam a essa busca como “O Atalho” o faz. (Jorge Mourinha, in Ipsilon)

Fonte: Cinecartaz Público

Interpretação: Ryan Gosling, Shareeka Epps, Anthony Mackie

EUA – 2006, 106’, M/16

Um jovem professor de história num liceu nova-iorquino é um mestre idealista e inspirador, mas é também um viciado em crack incapaz de endireitar a sua vida; uma aluna sua, miúda sossegada e desencantada, cresce sozinha entre uma mãe que se mata a trabalhar, um pai que mal conhece e um irmão na prisão. Encontram um no outro a compreensão desconfortável do beco sem saída em que o outro vive, constroem uma amizade inocente e profunda, contada com nervosismo atento pelo estreante Ryan Fleck, ancorado em duas notáveis interpretações de Ryan Gosling e Shareeka Epps.

Prova de que ainda há alma no cinema independente americano, sublinhando com extrema inteligência e discrição a dimensão política que tudo parece assumir na América moderna – mesmo quando, na verdade, tudo não passa de gente à procura de si mesma. Sem medir as palavras: grande filme. (Jorge Mourinha, in Ipsilon)

“Half Nelson” ganhou os Prémios do Júri nos Festivais de Locarno e Deauville. Ryan Gosling foi nomeado para o Óscar de Melhor Actor em 2007.

Fonte: Cinecartaz/Público

Interpretação: Viggo Mortensen, Maria Bello, Ed Harris, William Hurt

EUA, 2005, 96’, M/16

Tom Stall (Viggo Mortensen) vive calmamente com a mulher advogada (Maria Bello) e os dois filhos numa pequena e pacata cidade no Indiana. Mas, uma noite, a sua idílica existência é perturbada quando impede um roubo na sua cafetaria e salva os seus clientes e amigos matando os dois criminosos. O acontecimento atrai de imediato todos os meios de comunicação social e Tom é considerado um herói, mas todo este circo mediático deixa-o desconfortável. Ele e a família tentam a todo o custo voltar à normalidade. Mas é então que um misterioso e ameaçador estranho chega à cidade. (Fonte: Cinecartaz Público)

Não há famílias perfeitas e quem disser o contrário mente. É por isso que não nos surpreende que a ilustração de manual da família-modelo americana que David Cronenberg desenha nos primeiros minutos de “Uma História de Violência” seja mesmo só isso: uma ilustração de manual. Já desconfiamos que há ali qualquer coisa que não joga bem. Cronenberg sabe-o e brinca connosco. Estica a ilustração até ao ponto de ruptura, passa 20 minutos a encenar pacatamente o quotidiano desta família-modelo, com paciência de entomologista que sabe que é uma questão de tempo até as coisas se revelarem. Há sempre um pesadelo para cada sonho; há sempre um preço para cada opção. Chegou a altura de Tom Stall/Viggo Mortensen pagar o seu: aceitar a dúvida que se insinua de que ele não é quem diz ser, depois de um acto de heroísmo demasiado lesto para ser apenas obra do acaso, depois de estranhos visitantes que insistem em chamá-lo por outro nome. Tratá-lo como um assassino profissional, homem de mão de “gangsters” de Filadélfia, e não como o pacato pai de família e proprietário de um “diner” perdido no Midwest americano para quem os sarilhos são a última coisa que ele quer arranjar. Ele nega. Mas a dúvida está instalada. O paraíso está, definitivamente, perdido. E mesmo que se possa lá voltar, já não será o mesmo. E, contudo…

“Uma História de Violência” é quase um ensaio académico sobre os esqueletos no armário da família ideal, tal a frieza de entomologista com que Cronenberg se aplica a enumerar e, depois, a subverter os lugares-comuns do “thriller” e do filme de acção. Este é, de facto, um Cronenberg “mainstream” – a sua secura depurada e económica chega, até, a ter alguma coisa de Clint Eastwood – mas por trás dessa opção “mainstream” esconde-se uma meditação desconfortável (mas não o são todas?) sobre a natureza humana. As aparências iludem. David Cronenberg só quer que não nos esqueçamos disso. (Jorge Mourinha, in Ipsilon)

Oportunamente serão publicadas informações sobre os filmes a exibir nessas datas.